Trajan, La fuente de las películas.

Vía Twitter, Vonster y Video Shift ligan a este video que resulta bastante revelador de lo que una "tendencia" del diseño puede significar. Así pasa:

Ambigramas

Siempre me han gustado bastante los Ambigramas, frases o palabras escritas o dibujadas de tal modo que admiten, al menos, dos lecturas diferentes.

Este ejercicio es una práctica de diseño que requiere de mucho ingenio y habilidad, puesto que debes pensar en tres dimensiones al mismo tiempo: texto, forma y movimiento. El ambigrama que por ahora tengo más presente es el de Paul McCartney en la portada de su disco Chaos and Creation in the Backyard:


Un excelente diseñador de estos singulares íconos es John Langdon, que al parecer los esta poniendo de nuevo "de moda" tras el ambigrama realizado para el proyecto de película del libro de Dan Brown: Angeles y Demonios.

Ambigrama de John Langdon.

Como sea, esta es una técnica muy apreciada por acá, por algunos fanaticos de la caligrafía, la creación tipográfica y los juegos de palabras (frikis del diseño al fin y al cabo). Si alguien sabe de más diseñadores o sitios de este tipo de trabajos, por favor pasénme la dirección, puesto que son verdaderos valuartes del ingenio y la artesanía iconográfica.
¿O ustedes que opinan?

Vonster speaks

Vía Twitter nos llegan unas históricas palabras:

"FreeHand is Dead. RIP"
-Von Glitschka



(acéptalo Mauricio).

Dave Thorne

Nuestro buen amigo y excelente caricaturista Dave Thorne, publica una tira en el Star Bulletin de Hawaii, ¡Que la disfruten!

Cuestionario de Ilustración

Hace algunos meses nos solicitaron responder un cuestionario sobre ilustración para una investigación de tesis, hoy me topé con ese mail y les reproduzco aquí mis respuestas acerca de este tema.

1. ¿Según tú, que es ilustración?:

Técnicamente, cualquier imagen realizada por un artista que ilustre un tema o concepto puede ser llamado ilustración.

En una definición profesional, la ilustración es una forma artística que incorpora elementos, técnicas y valores del dibujo y la pintura para ilustrar temas, conceptos o situaciones específicas, además de su naturaleza y valores expresivos y/o abstractos, que se le confieren como profesión y disciplina del arte. La ilustración tiene una aplicación comercial mucho mayor que el dibujo o la pintura, debido a la rapidez de su realización y por el estándar de complejidad y calidad con que normalmente se realiza.

2. ¿Qué sabes sobre el origen de la ilustración?:

Manejado como un intermedio entre el dibujo y la pintura, la ilustración toma fuerza de la necesidad de incorporar mayor expresividad y calidad a los dibujos que comenzaban a ilustrar escenas y situaciones en las tempranas publicaciones de fines del siglo XIX y principios del XX. Esto lo logra a través del color o las tonalidades de grises y evitando ser demasiado cara o tardada en su realización como una pintura, además de ser mucho más versátil en su manejo.

Históricamente, desde los inicios de la imprenta se han incorporado dibujos e ilustraciones en los diversos tipos de publicaciones, algunos más elaborados que otros, pero que sucesivamente han ido evolucionando y ampliando su diversidad y calidad.

3. ¿Qué sabes sobre el origen de la ilustración digital?:

El momento determinante en el nacimiento de la ilustración digital es a finales de los años ochenta, cuando la compañía Adobe Sistems implementa el uso del formato Postscrip como base de los sistemas de Autoedición o "edición de escritorio", un formato que traslada y traduce los pixeles y vectores en puntos de impresión. De tal forma que, a partir del desarrollo de software como Illustrator, Photoshop y Pagemaker y la adopción de los mismos junto con el Postscrip por parte de la plataforma Macintosh de Apple, la autoedición se convierte en el eje fundamental de toda la nueva industria editorial que desarrolla sus contenidos impresos y procedimientos industriales a partir del uso de dichos nuevos estándares.

La ilustración digital es una consecuencia de dichos eventos, a partir de la aparición de los software de retoque y edición digital y de generación de imágenes, la ilustración a través de dichos medios se empieza a convertir en una constante alterna que fortalece el uso de las computadoras como herramientas de trabajo y para el artista, convirtiéndolas en elementos indispensables en el desempeño de la gran mayoría de los profesionales gráficos de la actualidad.

4. ¿Cuántos tipos de ilustración conoces?:

Profesionalmente se puede hablar de la Ilustración Tradicional e Ilustración Digital, donde:

La Ilustración Tradicional, sería la que mantiene sus cualidades originales: la realización manual por medio de materiales de dibujo, pintura o collage sobre papel o lienzo y a partir del desarrollo de una imagen trazada o definida por el artista y...

La Ilustración Digital, se define como aquella que se vale de herramientas digitales, comúnmente una computadora y diversos software o programas que le ayudan al artista a generar, retocar o complementar imágenes y archivos digitales bajo sus propias formas de trabajo o que emulan a la ilustración tradicional y sus técnicas.

Otra característica definitoria de ambas, es que la ilustración tradicional es única y original, porque existe como un objeto físico y palpable, en cambio una ilustración digital es virtual e infinitamente duplicable, puesto que existe sólo como un archivo de computadora del cual no hay un original mecánico, pero se pueden generar cuantas copias se deseen.

En cuanto a estilos, podríamos hablar de muchísimos, aunque básicamente los podríamos clasificar como: caricatura, semicaricatura, dibujo serio, hiperealismo, ilustración abstracta, collage, dibujo conceptual, etc.

En cuanto a técnicas, la ilustración se ha valido de todas aquellas técnicas clásicas de pintura o dibujo (el dibujo a lápiz o sketche, el dibujo a plumilla, la acuarela, acrílicos, collage, óleo, etc.) que puedan implementarse para su desarrollo. Adicionalmente la ilustración digital incorporaría las opciones propias que los diversos software le proveen, como el modelado de objetos tridimensionales.

5. ¿Qué ventajas y desventajas tiene la ilustración manual?:

Una ventaja sería la ya mencionada de ser única y original, el haber ser sido elaborada a mano le da un valor artístico y comercial mucho mayor, puesto que es un objeto susceptible de apreciar económicamente además del valor artístico que lleva implícito. Además la habilidad manual del artista para generar los trazos y contenidos de la ilustración es un valor excepcional en sí mismo.

La desventaja es el límite que implica la propia habilidad manual del artista y las limitaciones naturales de los materiales. La gama de color es la de los pigmentos, la cual nunca llegará a reflejar la brillantez de tonos que se pueden manejar en colores luz (RGB). Tiene una durabilidad limitada, si alguna vez se pierde el original, la obra en sí se habrá perdido como tal.

El tiempo de realización de una ilustración tradicional no tiene relevancia en si, puede ser mayor o menor que el de su equivalente digital, sin embargo, en el proceso de edición y publicación, el escanéo o reconocimiento digital de la obra y su proceso de retoque o adaptación para incorporarlo y manejarlo en una computadora es una desventaja de tiempo y practicidad.

6. ¿Qué ventajas y desventajas tiene la ilustración digital?:

La mayor cualidad de la ilustración digital, es su concepción de origen a través de una computadora. El fácil traslado uso y manejo del archivo digital es una necesidad importante en el entorno de autoedición que se maneja a nivel editorial e industrial. También cabe mencionar el alto nivel de perfeccionamiento y exploración artística que un ilustrador digital puede tener por medio de los diversos programas usados para ilustrar.

En la ilustración digital, el artista puede continuamente hacer o deshacer trazos para ir definiendo como mejor le parezca la ilustración, sin que esto eche a perder el trabajo como puede llegar a suceder en una obra tradicional, además ofrece una alta precisión, múltiples opciones y herramientas de automatización y exploración para realizar el trabajo más rápidamente y con cualidades, efectos y tonalidades ampliadas.

Desventajas: La virtualidad de su existencia la convierte en una imagen artística, pero nunca en un objeto artístico único, aún cuando su traslado a medios impresos sea limitado.

7. ¿Cúales consideras que serian los pasos para hacer una ilustración?:

1. Concepción de la idea. Ya sea como ilustración artística o por encargo hay que definir el contenido o lineamientos de la misma y la necesidad a la que responde y los materiales necesarios para realizarla.

2. Búsqueda de referencias. Según sea el caso, es necesario obtener referencias de objetos, personajes, situaciones o entornos para aterrizar el concepto y en su caso estilizar.

3. Realización. Este proceso debe ser meticuloso y sistemático en lo general. El proceso de realización esta unido al creativo, por lo cual es importante equilibrar el concepto original con las ideas que van surgiendo para plasmarlos en la ilustración y no perder de vista el objetivo de la misma.

4. Retoque y preparación final. El retoque final es lo que le da los últimos valores definitorios a la obra y que adicionalmente ayuda a cubrir los pequeños errores plásticos que haya habido en el proceso, dejándola lista para su uso comercial o personal.

7. ¿Cúales consideras que serian los pasos para hacer una ilustración digital?:
Básicamente los mismos que para la ilustración tradicional solo que añadiendo lo siguiente:

A). En la ilustración "análoga" hay que obtener los materiales adecuados al tipo de ilustración que se desea. El el caso del entorno digital, los materiales cambian por recursos adecuados al trabajo a realizarse, por ejemplo, tener un sotfware específico, la capacidad de procesamiento y memoria en tu computadora además de una plataforma confiable (preferentemente Macintosh/Apple) y adicionalmente los periféricos óptimos para operar diversas tareas (escáner, tableta digital, cámara digital, memoria flash, internet de banda ancha, etc.)

B). Una vez terminada la imágen, es necesario definir el tipo de archivo al que se debe convertir, lo cual depende de su aplicación práctica y de las necesidad de la misma como por ejemplo su resolución (web o impresos), tipo de color (CMYK o RGB), dimensiones físicas, tipo de formato (TIFF, JPG, PNG, PDF, PSD, GIF) etc., etc.

9 ¿Qué técnicas conoces y cúal crees que sea la adecuada para tener un buen resultado?:
Como ya mencione antes, en ilustración tradicional existen:

Dibujo (a lápiz, esfumado, etc.).
Dibujo Entintado (plumilla, en tonos grises o tinta aguada).
Acuarela.
Acrílico.
Óleo.
Pastel.
Collage.
etc.

Todas las anteriores son reproducibles en el entorno digital, pero a través de diversos programas también podemos incorporar:

Dibujo vectorial.
Fotoretoque.
Ilustración en 3D.
etc.

La mejor técnica para realizar una ilustración es aquella que se adecue mejor a tus habilidades y necesidades. En el proceso creativo y de realización puedes ir cambiando o incorporando estilos, pero eso es una cualidad que sólo se aprende y domina con la disciplina, la práctica y la experimentación, independientemente del tipo de ilustración.

10. ¿Crees que la ilustración digital llegue a sustituir a la ilustración manual?:

No. Actualmente y por practicidad, es mayor el uso de la ilustración digital en el medio editorial, pero por esta misma razón el valor artístico de la ilustración tradicional ha aumentado. La complementación de ambas es la camino que creo que se mantendrá en lo sucesivo.

En lo personal, pienso que un ilustrador necesita saber manejar ampliamente ambos estilos para considerarse un artista más completo. La generación de la idea y el proceso creativo a través del trazo y el dibujo, o el tratamiento de las texturas, formas y trazos en diversos tipos de papeles y su retoque digital posterior, son técnicas que están teniendo gran auge y que complementan a la perfección ambos mundos, pero siempre se debe recordar que los materiales o herramientas no hacen al artista, es el artista el que se vale de ellas para generar la obra.

Concepto

Diseño:

"Diseño es redimensionar lo existente".

"Design is to redimention what already exists".

Diseñando-Ando

Haciéndole un poco al cuento en el diseño web, me avente a reestructurar el blog de Oscar, usando una plantilla de Blog and Web, que como ya les he mencionado están padrísimas. Espero que el resultado les guste, aunque todavía me toca indagar como arreglar el defecto que trae por default la plantilla en la pestaña de busqueda. Bueno no todo es perfecto...


UPDATE: Ahora si... todo esta perfecto. : )

Selecciones del Reader´s Digest

Estos son varios de los trabajos que hemos realizado para la revista Selecciones de Reader´s Digest de México y Latinoamérica, en la sección de citas de personajes famosos. Lamentablemente, muchas veces la impresión de esta imágenes se realiza en tamaños tan pequeños que los detalles se pierden o también piden modificaciones que hacen ver más sencilla la ilustración.

Hoy les muestro algunas de estos trabajos que he coloreado pero en su versión original (algo así como el Director´s Cut) a ver que les parecen.

Zacek en Merú

Este es una ilustración de Zacek que recién terminé de colorear, me gustó bastante el resultado final y aunque sé que probablemente ya la vieron entre los sketches de Oscar, les pongo adicionalmente un detalle de la ilustración.

Especialmente los cristales me tomaron trabajo pero creo, sinceramente, que se ven muy bien. ¿Ustedes que piensan?

.

Next Wave: Good Design

Revisando el catálogo de Marvel Comics, me encuentro con una grata sorpresa: el sensacional diseño de portadas de su título Next Wave: Agents of H.A.T.E.

No conozco el cómic, no he tenido oportunidad de verlo, pero el diseño de sus tapas me ha impresionado bastante. Saliéndose de los estándares comunes del cómic, esta renovada imagen resulta bastante artistica en cuanto a su presentación.

Valiéndose del color de Dave McCaig (uno de mis coloristas favoritos) sobre el dibujo de Stuart Inmonen, en ocasiones genialmente simplista y otras apubullantemente elaborado, pero siempre, siempre innovador y atípico en su paleta de color, el diseñador (de quien no he podido conseguir el nombre, a menos que se trate del también letrerista Chris Eliopoulos) retoma los valores de color, añade de su propia cosecha muchas texturas, elementos, recortes y tipografías y genera una suerte de collage, perfectamente equilibrado entre elementos y sorpresivamente sin restar importancia a los personajes principales.

Por el contrario, logra el efecto inverso en ocasiones. Al minimizar el color de los protagonistas, dejando casi la línea de dibujo pura y resaltando los elementos y texturas a su alrededor, logra focalizar la atención en los personajes.

Esta es una miniserie de 12 números y como les digo, no he tenido oportunidad de leer la historia o el contenido (aunque tratándose de Warren Ellis seguramente sera un buen argumento, o al menos bastante polémico y con muuucha acción), pero para mí, este diseño, que también se convierte en protagonista de las portadas juanto al dibujo y el color, convertiría a esta publicación en un objeto de arte y coleccionismo sin duda.

NextWave ™ and © 2007 Marvel Characters, Inc., All rights reserved.

Pasos Generales del Color Digital

Como una mera introducción, puesto que el desarrollo de cada una de los puntos es realmente extensivo, me remito a esbozar genéricamente el proceso de color digital que se usa comunmente en los cómics.

Para aquellos que apenas inician en estos menesteres, trataré de no ser demasiado apabullante con los conceptos. Los que ya conocen los principios básicos y herramientas de Photoshop, muy probablemente encuentren buenas pistas para iniciar a practicar este arte virtual.

1. Escaneo. Muchos coloristas profesionales no necesitan pasar por este proceso, puesto que de ello generalmente se encargan las editoriales para las que trabajan. El proceso de escaneo se debe realizar de la siguiente forma:

-Calibrar el escaner en modo Grayscale (o Escala de Grises) a 300 dpi de resolución.
-Realizar el escaneo por partes (normalmente se necesitan mínimo tres pasadas, dadas las dimensiones del escaner en contraposición del tamaño del cartón).
-Salvar las partes de las imágenes en formato tif.

2. Armado y Preparación de las páginas. Las partes resultantes del escaneo se deben abrir en el programa Photoshop y pegarlas para unir la página, tips sobre este proceso serán dados en un futuro. Una vez que la página esta perfectamente unida, se convierte del modo grayscale a Bitmap, para lograr un perfecto contraste entre blanco y negro, a este archivo se le denomina Lineart.

3. Preparación de archivo. Guardando una copia del lineart original, el archivo tif se convierte a formato nativo de Photoshop: psd, y al modo CMYK preferentemente. Se selecciona toda el área, se copia y se borra, dejando el fondo totalmente blanco. En la ventana de canales se agrega un canal adicional con las propiedades: "Masked Areas", Color: Negro y Opacidad al 100%, que la computadora denominará automáticamente Alfa 1.

A este canal alfa le cambiamos el nombre por Lineart, y ahi pegamos la información copiada del archivo tif y se activa su visual (el ojito del canal). Ya tenemos un canal del arte o línea, independiente de las capas de color y que estará visible en todo momento.

4. Flats. Los flats son una parte muy importante del proceso de color, ya que sin éstos el trabajo se torna mucho más pesado, conflictivo y lento. Seleccionando las áreas comunes a objetos iguales, se realiza el relleno de estas áreas con plastas de color, sin degradados ni mezclas, hasta dejar toda la página coloreada en planos. A esto se le llaman Flats o separaciones.

Antes de iniciar este proceso, asegúrense de que las propiedades "anti-aliased" de sus herramientas: Laso, Buquet (Cubeta), Magic Wand (Varita Mágica) y de otras herramientas de selección esten desactivadas y con tolerancia en 0%. esto es muy importante y próximamente explicaremos el porqué.

5. Color. Con los flats listos, podemos proceder a trabajar en el color base de nuestra página. Asegúrense nuevamente de guardar una copia del archivo de flats, en caso de llegar a necesitarla posteriormente.

Desactivando la propiedad "Contiguous" de la varita mágica, se puede empezar a realizar seleciones de color según las áreas a colorear. Ahora se daran cuenta de que en una sola selección tendran listas todas las áreas del mismo tipo que van a colorear y ahora si, usando las brochas, herramientas de degradado. de selección, etc., podrán empezar a colocar el color de su página. Este es el verdadero inicio del proceso creativo del color.

Como tip rápido les recomiendo que siempre inicien su proceso de color como los antiguos artistas de la pintura: de atrás hacia adelante. Comiencen por definir los fondos, todo lo que está detras de los personajes principales. Después continuen con los elementos o personajes secundarios o en segundo plano y finalmente definan a los personajes o elementos de primer plano. Esto les ayudará a definir los niveles de importancia de cada uno de sus páneles.

6. Efectos. Cuando ya han definido el color base de su página, es mejor reservar los efectos especiales para el final, puesto que una vez definidos los planos puedes determinar mejor la forma de realizar los efectos de luz, movimiento o volumen especial que necesitan los cuadros. Así mísmo, puedes seleccionar en esta etapa el relleno de linea negra con color donde se necesite, a lo que comunmente se les llama Holds.

7. Alistar el archivo. Una vez listo el color, el archivo se salva y se conserva otra copia original de este archivo de formato psd. Para la entrega final se genera una copia en formato tif, conservando el modo CMYK, con todos los layers o capas aplanados ("flatten image") y eliminando el canal de Lineart.

Como les digo, esta es una linea muy resumida del proceso para colorear y los pasos de este sistema los iremos desarrollando poco a poco en futuras ediciones y mucho más a conciencia. De cualquier modo si tienen dudas al respecto, estas pueden ser resueltas en los comentaruos o en futuros post o tips.

Otros coloristas y artistas experimentados, pueden llegar a usar también diferentes métodos o saltarse pasos, pero fundamentalmente los que les paso aquí es el proceso más seguro y "sencillo" para esta tarea, aunque siempre hay espacio para algún nuevo truco, ¿No creen?

8 Formas de Enloquecer a un Diseñador.

GhisRoy publica en su blog, una muy divertida y mortalmente veraz entrada acerca de los peores momentos que puede pasar un diseñador al trabajar con un cliente o proyecto. Al menos 5 me han pasado a mi (incluído el primerito, ¡Aaagggg!) y la verdad es que a la distancia son muy graciosos, pero cuando los vives en el momento deseas morir o matar.

Estos son los ocho consejos para volver loco a un diseñador, con perdón de Ghris Roy, los reproduzco aquí, traducidos y resumidos muy rapidamente y en algunos puntos adaptando libremente al caló nacional:

1. Microsoft Office. Cuando tengas que enviarle a un diseñador un documento ¡envíaselo como un archivo de Office!, si es versión de PC, ¡mucho mejor! Si son fotos, asegúrate de que sean tomadas en jpg a 72 dpi con una cámara chafa e incorpóralas a un documento de Word o Powerpoint. Cuando el te pida que se las reenvies a mayor resolución, hazlo sólo al 50% y olvida añadirlas en el correo.

2. Fuentes. Si el diseñador sugiere Helvetica como fuente, tu pide Arial. Si él escoge Arial, pídele Comic Sans, y si él escoge Comics Sans, es que ya esta medio loco, asi que ya tienes medio camino recorrido.

3. Más es Mejor. Supongamos que quieres el diseño para un boletín. Los diseñadores siempre quieren dejar espacios blancos en todo, amplios margenes y holgado interlineaje de textos, según ellos para facilitar la lectura y hacerlo más "pro". Pero mienten, lo que quieren es agrandar el documento y meterle más páginas para encarecer la impresión, y lo hacen porque te odian.

Asi que asegúrate de ajustar los márgenes y poner una letra muy pero muy pequeña. Y sugiere usar muchas fuentes (si pides Comic Sans, Arial o Sand es mucho mejor). Dile que use imágenes de catálogo (clipart) y muchas fotos (recuerda el primer punto cuando se las envíes). Si trata de defenderse, no lo permitas, el cliente siempre tiene la razón.

4. Logos. Si tienes que enviarle un logo específico al diseñador, asegúrate de enviárselo en formato jpg o gif a muy baja resolución (ya sabes cómo). Pero si eso no es suficiente para desestabilizar sus neuronas, lo mejor sera enviárselo sobre un fondo muy dificil de recortar. Evita los fondos en blanco y negro, son maestros del photoshop. Cuando ya hayan trabajado bastante sobre ese logo de mapa de bits, pídele que lo agrande.

Si requieres que te diseñen un logo, dales tus propuestas en una servilleta. O aún mejor, pídele a tu hijo de 9 años que lo dibuje. Algo rápido, puesto que la mayoría de los diseñadores nunca entienden lo que deseas, después podrás pedirles que lo cambien. Nunca aceptes el primer logo, ni el noveno: hazlos trabajar, poner colores, fuentes y clipart. Pide una foto en el logo. Plecas. Degradados. Comic Sans. Y cuando por fin llegue al décimo intento, dile que te había gustado su segunda propuesta.

5. Escoge tus palabras. Cuando describas lo que quieres de un diseño usa términos ambiguos que no den idea de nada. Algo así como: "Musicalízalo un poco" o "¿Puedes hacerlo más Internetoso?", o "Quiero un diseño bo-ni-to" o "Quiero unos bueeeenos gráficos, ya sabes, de esos que te hacen decir: ¡Ah que chidos gráficos!", y cosas por el estilo. No te sientas mal, sabes que tienes razón, es tu deber.

6. Colores. La mejor manera de escoger los colores (porque no te gustaría que un diseñador lo haga), es escribir colores en pedacitos de papel y sacarlos de un sombrero. El diseñador sugerirá usar 2 o 3 a lo sumo, pero no. Escoge los que tu quieras, y asegúrate de hacerlo frente a él, mientras cantas.

7. Fechas de entrega. Cuando te toque aprobar el diseño, tómate tu tiempo, no hay prisa. Tómate dos días, seis, tanto como te deje el espacio del proyecto. Regresa con el diseñador y dale más correciones y cambios de lo que el tiempo le permite. Es su responsabilidad, ¿No?.

8. Acábalo. Una vez que hayas terminado tu lista con la victima, como parte de la naturaleza humana (aunque no se sabe que realmente sean humanos) aparecen inseguridades. Si las tiene, siginica que no puede satisfacer tus necesidades y por tanto debe abandonar toda esperanza de ganar argumentos y deberá hacer todo lo que le indiques, sin cuestionar. ¿Te gusta el morado?... pues morado será, ¿Seis fuentes?, ¡Seguro!

Cuando llegues a este punto, habrás ganado, pero no olvides el objetivo principal: debe renunciar a este negocio. Alista el golpe final: Cuando tomes las últimas decisiones de color, formas y fuentes, dile que te decepciona su falta de iniciativa. Reclámale que a final de cuentas el es el diseñador y se supone que el debía ser el experto y creativo para este trabajo, no tú y que esperabas mucha más capacidad y consejos de su parte.

Dile que ya has tenido bastante con su falta de creatividad y que prefieres tomar tu mismo las decisiones editoriales en lugar de tener que pagarle por sus "servicios". ¡Y listo! ¡Tendrás al diseñador sometido por completo en un abrir y cerrar de ojos!

:)

Apple = Magia

Alguna vez nos preguntaron, ¿Por que les gustan las Mac?, además de que son unos portentos de ingenieria, estética y practicidad, la respuesta es simple: Porque son mágicas, a diferencia de otras computadoras.

Guías de Color

Hola a todos nuevamente.
Cuando inicié en el trabajo del color y la ilustración, allá por 1994 en la antigua tienda de ¡Ka-Boom! Estudio en Satélite, Oscar me invito a realizar pruebas para color en el recien iniciado proyecto de ¡Ka-Boom! El Cómic.
En ese entonces yo apenas estaba entrando a la universidad y tenía una nula experiencia con las computadoras, el trabajo para este proyecto era bastante creativo para mi en ese momento, puesto que consistía en realizar las guías de color para el cómic en color directo, es decir en acuarela. El proceso a grandes rasgos era el siguiente:

De los cartones originales se sacaban fotocopias a tamaño carta en papel de buena calidad y papel de alto gramaje y brillo. Con acuarelas de buena calidad, que en nuestro caso eran las de la marca Dr. Ph. Martin´s, usadas sobre godetes de porcelana que guardaban sus propiedades de concentración y brillantez, se colocaban pequeñas porciones que se secaban, se mojaban y reutilizaban constantemente, siendo esta versatilidad y gran duración su principal propiedad.

Así, se iniciaba el proceso de colorear las páginas en fotocopias con puro pincel y acuarelas, lo cual resultaba relativamente rápido y también artístico, puesto que el color directo tenía grandes propiedades artísticas, aunque fuera inicialmente tomado como una simple guía de color.

Estas fueron muy importantes para mi, puesto que significaron un primer entrenamiento muy especial y enriquecedor para años despues en que me inicié de forma casi autodidacta en el color digital y también en mi faceta como ilustrador.

El realizar el color directo, sentir el papel, el agua y el color y ver su mezcla directa sobre el trazo significó una especie de comunicación abierta con el arte, suena un tanto místico, pero así es como lo veo, fue una manera muy relevante de entrar en contacto con el proceso artístico y por ello lo recomiendo con una buena alternativa de "entrenamiento visual", puesto que de hecho te forza a no cometener errores, porque como aquí no existe el "command + Z" o "undo", cuando la riegas en una página tienes que volver a empezar y por ello, cada guía representa un objeto artístico único.

A las guías de color como les mencioné, siguieron mis primeras incursiones en el color digital. Al principio use las guías de color como una buena referencia para realizar una mejor conceptualización del color antes de iniciar en el formato digital. Me ayudaron mucho a corregir errores y para experimentar en tonos y equilibrio de color, como le dije fueron un excelente entrenamient0.

Como consecuencia de mi constante práctica en las guías de color me introduje en la ilustración, aunque por poco tiempo, pero también fue una experiencia enriquecedora, puesto que me dio una capacidad artistica mayor, lo cual me permitio desenvolverme más facilmente en varios trabajos de ilustración para méxico y E.U., usando ya no sólo las acuarelas sino también el aerógrafo y otras técnicas para trabajos profesionales.

Desafortunadamente mis ocupaciones en tanto el color digital y el diseño en los diversos proyectos y trabajos de K! que he venido realizando durante los últimos años, me han alejado un tanto del color directo y la ilustración en acuarela, pero de cuando en cuando las retomo para hacer pequeños bocetos o viñetas que me siguen gustando muchísimo por su carácter artesanal, que como ustedes saben tiene un valor altísimo para nosotros, por ser Historia Gráfica pura.

Espero sus comentarios y participaciones y agradezco de antemano a todos los amigos que han mostrado un especial interés hacia este espacio desde el principio, espero que juntos lo hagamos crecer y que se convierta en un interesante punto de referencia y ayuda para todos aquellos interesados en el color digital y en la ilustración en general. Siempre he pensado que es importante tener una buena metodología y disciplina de trabajo, pero también es importante ser creativos y estar abiertos a nuevas formas y métodos artísticos para lograr un equilibrio, respetendo la vieja escuela pero generando nuevas opciones que se unifiquen al valuarte artístico, por ello siempre serán bienvenidas todas las referencias, dudas y alternativas que deseen añadir a este blog.

Saludotes a todos!

NUEVO BLOG!

Inauguramos oficialmente este nuevo blog que estará dedicado a todas las cuestiones relacionadas con el Diseño, Arte y Técnicas de Color para Cómics. Invito a todos los amigos e interesados en estos temas a postear sus preguntas, opiniones y tips personales para enriquecer este espacio.

Desde mi incursión en el mundo del color para cómics por ahí de 1995 y posteriormente en el color digital (por 1998 más o menos), he ido conociendo de forma casi autodidáctica y con los consejos y tips de algunos muy buenos amigos el proceso y los secretos del color, el diseño y la edición digital. Así como a mi me fueron enseñadas técnicas especializadas y otras desarrolladas por mi propia experiencia, quiero transmitirles todo ese bagaje de conocimiento que he acumulado, puesto que conozco de cerca la dificultad para obtener información y resolver dudas de primera mano y sobretodo con dispocición por parte de los profesionales.

Adicionalmente podrán ver por aca, algunas imgenes, sketches y otras cosas de trabajo en las que he trabajado esperando que les gusten y me comenten al respecto.

Bienvenidos sean y "Felices Trazos".